新京报x国家大剧院演出主题展映第七期开始将放映古典音乐会，同时配合音乐会的放映，每期会科普一个音乐小知识。本期主题关键词是“奏鸣曲”，在不少古典音乐中总是能看到“x小调奏鸣曲”，但你真的了解奏鸣曲从何而来？为什么叫这个名吗？我们挑选了安德拉斯·席夫、郎朗和张昊辰三人演奏的奏鸣曲演出视频，配合以下知识点再看他们的演出，也许你会听到更多旋律。

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奏鸣曲（sonata）作为最常见的音乐体裁，不但在音乐会的曲目单中经常出现，还伴随着琴童们每个阶段的练习。尤其是弹钢琴的学生，只要说起贝多芬的“月光”“热情”“暴风雨”“黎明”（标题都是后人起的）奏鸣曲，总有一两个“在手上”的。

奏鸣曲顾名思义，“演奏”然后“鸣响”，但这个名字似乎太过普通以至于又有些模糊，它不像协奏曲那样明显地体现出某种协作、竞赛的关系，也不像交响曲那样给人一种规模宏大的印象。究竟奏鸣曲是如何得名，如何发展的呢？

文艺复兴时期，声乐和器乐之间还未划清界限，器乐依附于声乐的情况阻碍着器乐自身的发展。16世纪，器乐演奏逐渐从声乐作品的统治地位中脱身，作曲家们开始在乐谱上将器乐与声乐区分开，用“演奏的坎佐纳”（坎佐纳原指歌曲) 这样的“笨办法”作为标示。后来，他们选用sonata（来自意大利文sonare，意思是“奏响、吹响、使发出声音”）特指“用乐器来演奏的”，用cantata特指“用人声演唱的”。

巴洛克初期，器乐的演奏开发尚浅，几乎所有的奏鸣曲都是单乐章的，随着作曲技术的进步，奏鸣曲篇幅不断增长，逐渐由单段落变成多段落结构，由“拼凑”的多段落变为寻求一定关联性和统一性的多段落，由单乐章演变为多乐章套曲。三重奏鸣曲（trio sonata）从17世纪开始日渐盛行，那时的三重奏鸣曲并非指3件乐器，而是3个声部：两把小提琴演奏两个上声部，大提琴、羽管键琴一起演奏数字低音（一种记谱方法，作曲家不写出低音声部，而是用数字标注和弦，让低音声部即兴演奏）。奏鸣曲在古典主义时期有最宽泛的定义：即指一首器乐作品。

关于“奏鸣曲”的使用场景，巴洛克时期的音乐多用于教堂、宫廷。而在古典主义时期，奏鸣曲作为脱离声乐的器乐作品已经很少被用于教堂，它在宫廷和上流社会被传播。除此之外，还成为了业余爱好者们的娱乐食粮、职业演奏家和作曲家的进身之阶，被广泛运用于器乐的教学。

新京报编辑 田偲妮 校对 危卓